LEOLO

En los últimos meses he visitado dos casas-museo y un teatro-"museo" de tres artistas españoles ya fallecidos y ahora ascendidos a los altares de la posteridad, con diferentes niveles de notoriedad. Concretamente he visitado la casa-museo de Cesar Manrique en Taro de Tahíche (Lanzarote), la casa-museo de Jorge Oteiza en Alzuza (Navarra) y el teatro-museo de Dali en Figueres (Girona).

Estos tres grandes artistas gozan hoy de reputación mundial, aunque en diferentes círculos y de distintas maneras. Tres fundaciones trabajan por mantener viva y, en alguno de estos casos, en evolución sus legados. A mi los tres museos me transmitieron sensaciones muy distintas.

Cesar Manrique, su obra y su entorno me transmitieron muchas buenas vibraciones. Artista honesto, luminoso y alegre. No sé si la persona con más talento de su generación, pero desde luego un artista con capacidad de transmitir y llegar a quien observe su obra (el cuadro del principio de este post es suyo). Al menos, así fue conmigo. Artista que también fue ideólogo del despliegue turístico de Lanzarote (volvió a la isla en los 60 desde el Nueva York en el que triunfó). Manrique propuganaba ecología y turismo juntos de la mano para producir riqueza y empleo sin atacar el medio. Los políticos de la época le direon manos libres (cosa que aún no me explico) y toda la isla y los visitantes se lo agradecemos hoy. Artista social y afable que fue también el dinamizador absoluto de la vida cultura lanzaroteña y, en menor medida, la canaria. Artista venerado y querido por su pueblo como algo más que un artísta, una especie de dios benefactor y cercano. Creo que Cesar Manrique empleo bien su talento, fue feliz e hizo felices a muchas personas. Y hoy su fundación no solo mira al pasado para venerar la obra del lanzaroteño, sino que piensa en presente y futuro, hace pensar, polemiza, publica lo que piensan otros, trabaja en red en materia de arte, pero también de ecología, política, economía, etc. Cuando deje la isla (toda ella marcada para siempre por Manrique) le di mentalmente las gracias por todo lo que hizo y por el buen rollo que me transmitió.

No mucho después visité la casa-museo-fundación de Jorge Oteiza en Alzuza, un pueblecito navarro, hoy casi absorbido por la expansión urbanística de Pamplona. El de Orio me pareció un genio, un fuoriclasse del arte. Culto, huraño, honesto, extraordinariamente poco comercial, pedagogo, ideólogo, políticamente poco correcto, sabio, humilde a su manera, ermitaño, deslumbrante. Con sus esculturas en madera y metales y sus estudio de tizas (ensayos y estudios con tiza u otros materiales menores estudiaba las formas y el espacio hasta dar con su escultura y sus teorías sobre la misma) marcó uno de los caminos de la escultura que aún hoy siguen transitando muchos artistas. Trabajó, más que la materia, el aire, los encuentros geométricos de la materia y las disecciones del aire hechas por este. Contribuyó poderosamente a que la escultura mundial hiciese un periplo similar al de la pintura, de la representación fiel de la realidad a la expresión artística postrealista. Fue maestro de escultores, en parte de pintores, pero indudablemente de arquitectos. Rechazó todos los oropeles que los políticos le ofrecieron, criticó sin pelos en la lengua cosas que le parecieron aberrantes y siguió hasta la muerte fiel a su ideario: arte, solo arte y nada más que arte, en su doble vertiente de escultor y teórico/pedagogo/metafísico. Cuando deje Alzuza recuerdo que pense, ¡ ole tus huevos Jorge! Días después también sentí gratitud por una vida de honesto artista al servicio de solo del arte. 

Finalmente hace unos días visité el teatro-"museo" de Salvador Dalí en Figueres. La indignación y repugancia que produjeron tanta frivolidad, superchería, soplapollez, superficalidad y tonteria aún me dura más de un mes después. Dalí tenía talento y mucho. Dali era de buena familia (hijo de notario gerundense) y siempre tuvo el viento a favor para todos sus proyectos académicos y artísticos. Dalí fue uno de los niños mimados de una generación de oro de artistas españoles que tuvieron éxito universal. Dalí lo tenía todo para ser un gran artista y, sin embargo, fue un superficial, comercial y presuntuoso artista que solo se guió por cuatro cosas: su descomunal ego, la fama, el dinero y los caprichos de su mujer. Resultado, no ha aportado nada a la historia del arte, aunque puede que tenga cierta relevancia en el mundo de la publicidad y la moda. Un fiasco. Un timo. Una desgracia. Cuando me marché de Figueres (y después de Cadaqués) pense ¿cuanto talento desaprovechado en post de marquesado de Pubol, la fama en los EE.UU y el dinero?

Sin embargo, para el gran público Dalí es un icono del arte del siglo XX, mientras que Manrique y Oteiza (la última foto es una de una de sus esculturas metafísicas) son venerados por públicos más minoritario, especializados o locales. Un verdadero drama. Pero ya se sabe, en España solemos promocionar mucho más y mucho mejor a los timadores que a las personas honestas y cabales. Y esto, parece ser que también ocurre en el mundo del arte.

Si he ofendido a alguien, pido disculpas. Dado que hablo de lo que no sé (arte) pido, en cualquier caso, disculpas.

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Acabo de leer EL CONOCIMIENTO SECRETO del pintor David Hockney.

El libro es trata (con bastante éxito) de demostrar con todo tipo de pruebas que hacia el 1430 los pintores flamencos empiezan a utilizar la óptica para calcar los perfiles y contornos claves de sus cuadros y después continuaban pintando de forma ortodoxa (globoculizada según término del autor). Este descubrimiento, aunque se trata de mantener en secreto por los propios artistas (hoy le llamaríamos propiedad industrial, know how o ventaja competitiva), acaba en manos de la escuela italiana unos 50 años después y para principios del siglo XVI es de uso común entre los artistas y artesanos occidentales. Esta tecnología permite dar un salto en la veracidad de las pinturas de muchos de los grandes maestros de la pintura occidental. Empiezan a aparecer cuadros que son casi como fotografías.

Esta tesis es negada hoy por muchos de los historiadores del arte, pero Hockney, pintor de profesión, es capaz de aportar cientos de cuadros que prueban la existencia de óptica en la pintura de los siglos XV a XIX. Las pruebas son multiples y dificilmente refutables: inexistencia de dibujos o bocetos en muchos grandes artistas-retratistas de la época, la existencia de varios puntos de fuga en muchos cuadros, los innegables multiples puntos de vista que tienen su explicación en la técnica del collage, dada la escasa profundidad de campo de las lentes de la época, las distorsiones como consecuencia de los enfoques de las lentes del momento, los documentos que hablan de la existencia de lentes y cámaras oscuras, etc).

El uso de estas técnicas que permiten gran realismo "fotográfico" solo se deja de lado cuando la fotografía y el cine, a finales del XIX y principios del XX, ya se encargan del trabajo de registrar la realidad. En ese momento los pintores empiezan a caminar por otras sendas, no realistas, y buscan captar las emociones y no tanto la realidad. Parece ser que Miguel Angel, Rubens y Rembrant, aún conociendo las lentes y cámaras oscuras, se negaron a utilizarlas, pues ellos también aspiraban avant la lettre a no "fotografiar" la realidad, sino a interpretarla, a mostrar las emociones humanas a través de la pintura.

Su editorial (Destino) dice de este libro: "A comienzos del s. XV, con la Inquisición en su apogeo, una serie de artistas en el norte de Europa comenzaron a usar instrumentos "prohibidos"; para ayudarse en su labor pictórica. Más tarde esas técnicas pasaron a Italia y fue extendiéndose su uso. A ellas debemos el preciosismo de Vermeer, los retratos de Rembrandt o las composiciones de Caravaggio entre otras. Con tres partes, visual, documental y epistolar, otro artista nos desvela un secreto muy bien guardado por las propias obras de arte. El conocimiento secreto no trata sólo de las écnicas perdidas de los grandes maestros. También trata del presente y del futuro. Nos habla de cómo vemos, arreglamos y construimos imágenes hoy en día en una época de manipulación informática. A través de una búsqueda constante, cuestionando las ideas y la práctica heredadas, y sin dar nada por supuesto, Hockney nos abre los ojos y nos hace ser conscientes de la manera en que percibimos y nos representamos el mundo. El conocimiento secreto aporta una privilegiada reflexión sobre la historia del arte por parte de un artista excepcionalmente prolífico y original".

Y este es precisamente uno de los mayores logros de este libro: no solo mira al pasado, también mira al futuro. Hoy no hace falta pintar la realidad de forma fotográfica como en el siglo XV, pero tampoco nos podemos fiar de las imagenes fotográficas o de video, como consecuencia de la manipulación por ordenador. Lo que vemos fotografiado o filmado no es el reflejo cierto de algo que tuvo lugar de forma real como ocurría en el siglo XX. Hoy el artista vuelve a meter la mano en la imagen producida por medios tecnológico, un poco al estilo de lo que sucedió en el siglo XV con los calcadores-pintores. Hoy los manipuladores informáticos de la imagen digital vuelven a estar en un punto parecido al de los pintores flamencos de principios del siglo XV.

David Hockney entiende que veremos muchas e interesantes cosas en el futuro.

Yo me limito a constatar que su libro es interesante, ameno y extraordinariamente revelador y enriquecedor.

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Acabo de leerme EL ELOGIO DE LA SOMBRA (no confundir con la obra del mismo título de Borges) del novelista nipón Junichiro Tanizaki. Esta obra breve versa sobre la diferente percepción de la sombra y la luz en occidente y oriente.

El autor entiende que los nipones adoran la iluminación tenue pues permite apreciar los múltiples matices de las muy variadas sombras. Frente a eso los occidentales preferimos la luz y el brillo. Entiende el autor que los nipones parten de una cierta modestia vital (es imposible que todo esté limpio, higiénico y birllante) y asumen la belleza del paso del tiempo por los objetos. Frente a esto nosotros debemos ser unos perfeccionistas que aspiramos a todo lo contrario pues lo consideramos posible.

Este punto de partida tiene, según el autor, su reflejo en muchas facetas de la vida oriental: arquitectura, decoración, gastronomía, teatro, vestido, maquillaje y un largo etc. E incluso llega a elucubrar que de haber dominado el desarrollo tecnológico Japón en los siglos XIX y XX los objetos que hoy usariamos todos serían radicalmente diferentes en relación a su color, brillo, textura y necesidades de iluminación.

No sé si comparto plenamente la tesis de Tanizaki, pues creo que entiende por oriental japones o en todo caso chino y por occidental parte de los europeos y sobre todo los estadounidenses y occidente y oriente, en fin, el mundo son mucho más que eso. Además me parece una visión un tanto conservadora y decimonónica de Japón que puede que tenga poco que ver con el japón actual. Ahora bien, se comparta o no la tesis del autor, este librito es una forma de acercarse al espíritu nipón clásico y tratar de comprender lo que nos diferencia de ellos en términos de sensibilidad estética o artística. Sin duda recomenable.

Os dejo links a otros comentarios sobre este libro en otros blogs sobre este libro 1 y 2.


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El domingo pasado estuve visitando la Casa Museo de Sorolla. Ya os he comentado varias veces que yo no soy un gran aficionado a la pintura. Entiendo poco, aunque si creo que cuando me expongo a ella, a la buena, y a veces a la no tan buena, me toca. Sea como fuere, el pasado fin de semana me acerqué a este delicioso rincon de Madrid y comprobé varias cosas.

En primer lugar comprobé que Sorolla tuve éxito en vida, pues en caso contrario es muy dificil que pudiera mantener el ritmo de vida y la villa que tuvo en la parte noble de Madrid. En segundo lugar, comprobé que tenía un gusto exquisito para la decoración y que se construyó un entorno vital, lejos de su playas valencianas natales, nada desdeñable. Tambien comprobé que fue algo así como el primer pintor preautonómico, pues el Gobierno le encargó una serie de pinturas sobre las regiones españolas para una exposición en Paris y durante meses estuvo pateando la España de principios del siglo pasado y pintando todos sus matices. Y finalmente comprobé que, por encima de todo, era un pintor de la luz y siempre que podía de las playas. A mi, que como ya he dicho no sé nada de pintura, me gusto mucho su tratamiento pictórico de la luz y los reflejos que el agua marina produce en la piel humana.

Desgraciadamente los lienzos más grandes y de mayor fama estaban el pasado fin de semana en el Museo Thyssen-Bornemisza en una exposición temporal paralela de John Singer Sargent y Joaquin Sorolla. Pero no me dio pena perdérmelos. Creo que albergo la intención implícita de volver a la casa que fue de Sorolla a disfrutar de su pintura, de su jardín y de su entorno vital.

Además coronamos la visita, mi acompañante y yo, con un curce dialéctico sobre la trascendencia de la obra del valenciano. Segun parece la mujer de Sorolla, Clotilde Garcia, hizo todo lo que pudo por que su marido ganara mucho dinero y nada por que arriesgara artísticamente. según mi acompañante a la exposición esto hizo que Sorolla fuese un pintor extraordinario, pero no un revolucionario de la pintura. Yo viendo el estilo de vida que llevó, la verdad no sé que habría sido mejor para él si revolucionar la pintura o vivir como el vivió.

En cualquier caso, os recomiendo la visita.

Este verano, por fin, he podido satisfacer un deseo que tenía yo desde hace bastante tiempo: ir al festival de teatro romano de Mérida. A finales de julio vi "Itaca, una versión libre sobre el mito de la Odisea" en un espacio escénico que te corta la respiración cuando entras. Es un lugar realmente especial. De noche, iluminado por la luna y por los focos del teatro emana trascendencia. La verdad es que hubiera perdonado que la obra fuese una mierda solo por estar en ese sitio. Sin embargo, la obra (que mezclaba el mito de Odiseo con la barbarie nazi y las viviencias del pueblo gitano; ya se que parece un triple salto mortal, pero la cosa funcionó) fue maravillosa y la conjunción de escena, cante y música realmente emocionante. En suma, me saque la espinita del teatro romano de Mérida, disfruté de una maravillosa obra de teatro y salí atontado del lugar por el impacto del espacio escénico. Muy recomendable.

Os dejo el link del festival: http://www.festivaldemerida.es/

La semana pasada estuve en Santander en una pequeña, pero deliciosa, exposición sobre Paul Klee. No tengo ningún empacho en admitir que entiendo poco de arte y que no conocía la obra de Paul Klee. Pero tambien os digo que me gustó mucho, sobre todos los dos o tres cuadros de mujeres hetereas. Aunque tampoco están mal los cuadritos con reticulas geométricas de colores geniales. Si pasais por Santander la exposición (que es gratis) está abierta hasta el 24 de semptiembre, merece la pena y no os va a dar el efecto Stendahl, pues es muy manejable.
http://www.fundacionmbotin.org/publicaciones/contenido/Ex...

Una visión distinta sobre el arte, las galerias, NY y la sofisticación. Cuanto más oigo este corte de audio ... mas me rio. Quiero agradecer a mi amigo Jose Antonio Boada el que me haya mandado el mp3.

Recientemente he estado en El Padro y el Reina Sofia viendo la monumental exposición sobre Picasso que ha conseguido juntar obras que habitualmente están desperdigadas por España, Francia, EE.UU, etc. Creo que es una exposición muy recomendable. Os dejo el link de la exposición por si os interesa:


http://www.picassotradicionyvanguardia.com/intro.php